Antoni Gaudí

Nome da obra exposta:Casa Batlló em Barcelona

Antoni Placid Gaudí i Cornet foi um arquitecto catalão, um dos símbolos da cidade de Barcelona, onde se educou e passou grande parte da vida. Aparece como um arquitecto de novas concepções plásticas ligado ao modernismo catalão (a variante local da art nouveau).Seus primeiros trabalhos possuem claras influências da arquitectura gótica e da arquitectura catalã tradicional. Nos primeiros anos de sua carreira, Gaudí foi fortemente influenciado pelo arquitecto francês Eugene Viollet-le-Duc, responsável em seu país por promover o retorno às formas góticas da arquitectura. Com o tempo, entretanto, passou a adoptar uma linguagem escultórica bastante pessoal, projectando edifícios com formas fantásticas e estruturas complexas. Algumas de suas obras-primas, mais notavelmente o Templo Expiatório da Sagrada Família possuem um poder quase alucinatório. Gaudí é conhecido por fazer extenso uso do arco parabólico catenário, uma das formas mais comuns na natureza. Para tanto, possuía um método de trabalho incomum para a época, utilizando-se de modelos tridimensionais em escala moldados pela gravidade, Gaudícatenárias. Também se utilizou da técnica catalã tradicional do trencadis, que consiste de usar peças cerâmicas quebradas para compor superfícies. O templo da Sagrada Família, considerada a obra-prima de Gaudí Ridicularizado por seus contemporâneos, Gaudí encontrou no empresário Eusebi Güell o parceiro e cliente ideal, tendo sido praticamente seu mecenas. Politicamente, Gaudí foi um fervoroso nacionalista catalão. Em seus últimos anos, devotou-se exclusivamente à religião católica e a construção da Sagrada Família obra nunca concluída. Antoni Gaudí trabalhou essencialmente em Barcelona, a sua terra natal, onde havia estudado arquitectura. Em Barcelona a sua arquitectura assume foros de excepção, num ambiente essencialmente funcionalista de uma cidade de desenvolvimento industrial. Gaudí deixou-se influenciar por inúmeras tendências, não tendo nunca dedicado a sua arquitectura à tentativa de cópia de um estilo determinado. Uma das mais fortes influências que recebeu foi a de Viollet-le-Duc através do qual conheceu parte do seu gótico inspirador.

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Donatello

Obra exposta: Altare maggiore, Madonna col Bambino

Donato di Niccoló di Betto Bardi, chamado Donatello foi um escultor italiano. Trabalhou em Florença, Prato, Siena e Pádua, recorrendo a várias técnicas (tuttotondo,baixo-relevo, stiacciato), e materiais (mármore, bronze, madeira). Separou -se definitivamente do gótico retomando e superando a arte grega e romana,seja formalmente, seja estilisticamente. Muito particular foi sua capacidade de sugerir humanidade e introspecção em suas obras.Donatello foi educado primeiro na casa de Roberto Martelli, e esteve em Roma com Brunelleschi estudando os clássicos. Ajudante de Lorenzo Ghiberti na porta norte do Battistero.Trabalha na obra do Duomo de Florença, para o qual executa uma estátua de Davi em mármore, com uma coroa de amaranto e membros alongados, num estilo gótico tardio, mas apoiada numa perna só ao qual corresponde uma torção do busto, e as mãos realistas, mostrando um estudo acurado da anatomia humana estando hoje em dia conservada no Bargello. Esculpe o São João Evangelista, para um nicho ao lado do portal central do Duomo, reagindo ao maneirismo do gótico tardio com uma composição clássica, mas humana e apoiada em estudos anatomicos, que viriam a ser um importante modelo do Moisés de Michelangelo. Trabalha a pedra para a Igreja de Orsanmichele. Realisa o São Marcos. Entre 1415 e1426 esculpe cinco estátuas para o Duomo : O Profeta imberbe, O Profeta barbudo, O Sacrifício de Isaac, Profeta Abacuc (chamado Zuccone pela calva) e O Profeta Jeremias. O grupo em bronze Giuditta e Oloferne foi iniciado para a catedral de Siena mas acabou no jardim do palacio Médici na Via Larga. Foi encomenda de Piero de Médici, dito o gotoso, em memória de Cosme, o velho. A obra esta assinada OPUS DONATELLI FLO e está imbuida de valores simbólicos, como a castidade que abate a luxúria, e a republica que abate a tirania.Apos concluir um São João Batista para o Duomo, tem sua ultima encomenda, dois pulpitos de bronze para a igreja de São Lourenço, projetada por ele mas executada com a participação de outros. O Pulpito da Ressureição, com episodios da vida de Cristo unidos por relevos com motivos de vegetação e o Pulpito da Paixão com as cenas unidas por motivos decorativos, e outras obras complementares formam um otimo conjunto, coroando a obra do mestre, que morre em Florença no ano de 1466.

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Henri Matisse

Título da obra exposta: King's Sadness

Henri Matisse nasceu no último dia do ano de 1869, em Le Cateau, no norte da França. Aos 19 anos de idade, Henri Matisse estudava Direito em Paris e tinha aulas numa escola de Desenho mas, uma crise de apendicite deixou-o um longo tempo preso à cama e assim, começou a dedicar-se com mais afinco à pintura.
No inicio, tudo parecia ir bem. Matisse teve quatro obras expostas no Salão da Sociedade Nacional de Belas Artes e foi convidado para ser membro associado da entidade. Contudo, o seu gosto pela estética impressionista contrariou as expectativas dos críticos mais conservadores o que lhe trouxe dificuldades. Porém, o escândalo e a controvérsia ajudaram a divulgar o nome de Matisse.
Henri Matisse deu grande impulso à arte da sua época com o seu estilo caracterizado por uma linha vigorosa e pelo uso de cores com tonalidades fortes.
Matisse é considerado um dos fundadores e principais representantes do fauvismo.
Em 1954 morreu, depois de ter passado vários anos debilitado.

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Paul Klee

Nome da obra exposta: Insula Dulcamara

Paul Klee nasceu a 18 de dezembro de 1879 em Münchenbuchsee, perto de Berna, na Suíça. Desde muito cedo que se interessou por desenhar e pintar.
Em setembro de 1898, antes de completar 19 anos, partiu para Munique para estudar arte. Os primeiros passos em direção ao movimento que mais tarde ficaria conhecido como Abstraccionismo foram dados um pouco mais tarde. As paisagens de Klee mudaram, perdendo a sua objectividade.
No outono de 1901, Klee foi para a Itália com o escultor Hermann Haller. Durante esta viagem, além da forte influência visual e estética da pintura italiana, passou por uma profunda revisão de todas as suas crenças e teorias sobre arte.

Klee regressou a Berna. Mais tarde, numa das suas visitas a Munique, em 1904, encontrou os trabalhos de Beardsley, Blake, Goya e Ensor. A influência de Goya, em particular, foi extremamente forte.
Klee esteve em contato com a maioria dos artistas experimentais da Europa Ocidental, muitos dos quais profundamente interessados na questão da cor.
A vida artistica de Klee foi interrompida pela Primeira Guerra Mundial, durante a qual serviu como oficial embora tenha produzido alguns trabalhos durante a guerra.
Em 25 de novembro de 1920, o arquitecto Walter Gropius convidou-o para se juntar ao grupo da escola de Bauhaus.
Klee foi um dos representantes mais significativos da arte abstrata e é considerado um dos artistas mais originais do século XX. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza, dedicou sua carreira à busca do ponto de encontro entre realidade e espírito.
Morreu a 29 de Junho de 1940.

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Michelangelo

Nome da obra exposta: David

Apesar de ter feito poucas actividades além das artes, sua versatilidade em vários campos fez com que rivalizasse com Leonardo da Vinci no título de ícone da Renascença. Michelangelo foi genial em vários campos e, além disso, também recebeu tarefas diplomáticas. Duas biografias foram escritas sobre ele ainda em vida (uma de Giorgio Vasari). Também era apelidado de Il Divino. Duas de suas mais famosas obras (a Pietà e o David) foram realizadas antes de seus trinta anos. Apesar de sua pouca afeição à pintura, criou duas obras históricas: as cenas do Gênesis, no tecto da Capela Sistina, e o O Juízo Final, também no mesmo local. Projectou também a cúpula da Basílica de São Pedro, em Roma. Entre suas outras esculturas, contam-se a também a Virgem, o Baco, o Moisés, a Raquel, a Léa e membros da família Médici.Michelangelo, muitas vezes arrogante com os outros e constantemente insatisfeito com ele mesmo, via a arte como originada da inspiração interna e da cultura. Via a natureza como uma inimiga que tinha de ser superada. Suas figuras são dinâmicas. Para ele, a missão do escultor era libertar as formas que estavam dentro da pedra. Conta-se que após Michelangelo ter executado sua estátua Moisés, bateu violentamente com o martelo no joelho da obra e gritou: Por que você não fala comigo?Na vida pessoal, Michelangelo era abstémio. Era indiferente à bebida e à comida. Era uma pessoa solitária e melancólica. Para além da pintura e da escultura, Michelangelo deixou também cerca de trezentos poemas em italiano vernáculo, que escreveu entre 1501 e 1560. Os seus poemas são marcados por uma forte carga homoerótica. Porém, esta foi alterada na primeira edição da sua poesia, em 1623, publicada pelo seu sobrinho Michelangelo, o Jovem. Em 1893, John Addington Symonds traduziu os poemas originais para inglês. Fundamental para a arte de Michelangelo era sua paixão pela beleza masculina, que o atraída de modo emocional e estético. Era, em parte, uma expressão da idealização renascentista do corpo humano. Mas, para Michelangelo, há uma resposta única a essa estética. Tais sentimentos o faziam sentir uma profunda angústia, uma contradição entre a filosofia platónica e o sentimento carnal.

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Youri Messen-Jaschin

Nome da obra exposta: Broadway

Youri Messen-Jaschin é um artista de origem letã. Os estudos artísticos conduzem-no à Escola Nacional Superior de Belas Artes (é aluno do professor Robert Cami) e à Escola Prática dos Estudos Superiores da Sorbonne, área de ciências e sociologia (história da arte, professor Pierre Francastel) em Paris. De 1962 a 1965 visita a Escola de Belas Artes em Lausanne. Aí trabalha com o gravador e pintor Ernest Pizzotti. Assim, trabalha durante dois anos no “Centre de la gravure contemporaine” em Genebra. Pouco tempo depois, encontramo-lo em Zurique, onde alarga as suas perspectivas pictóricas sob a direcção do pintor Friederich Kuhn com a experiência do círculo sobre o rosto. É em 1967 em Göteborg, que encontra durante uma exposição no Modern Art Museum de Göteborg, Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez e Julio Le Parc. Ao falar com estes artistas, descobre o seu fascínio pela arte óptica (Op art). É a partir daqui que decide dedicar todas as suas investigações no sentido da arte cinética. Em seguida, prolonga a sua estadia em Göteborg, onde tem a possibilidade de evoluir continuamente no movimento e nas formas geométricas que integra nos seus têxteis e nas suas pinturas a óleo. As suas investigações e pesquisas no campo da arte óptica tiveram uma grande repercussão na Escandinávia, onde teve a oportunidade de expor em vários museus e onde a sua obra era designada nessa época como vanguardista. Em 1968 Youri recebe o primeiro prémio de arte da gravação contemporânea suíça. Nos anos 70 encontramo-lo em Hamburgo onde continua a trabalhar com artistas do Norte da Alemanha que colaboram com ele em diferentes projectos monumentais. Em 1970, realiza uma escultura cinética para a sociedade Gould em Eistetten na Alemanha, perto da Floresta Negra na Alemanha. A arquitectura desempenha um papel importante na pintura e nas suas esculturas. Na Venezuela, na cidade de Caracas expõe teatral e coreograficamente as obras da sua criação que são apresentadas no Ateneu de Caracas e no VI Festival Internacional de Teatro, na Fundação Eugenio Mendoza, na Associação Cultural Humboldt (Goethe-Institut) e na Aliança Francesa. Em 1985, recebe o primeiro prémio mundial da cultura “Premio Mondiale della Cultura statua della Vittoria” del Centro studi e ricerche delle Nazioni em Calvatone, na Itália. Youri torna-se igualmente “académicien de l´Europe” da “L´Università e Centro Studi e Ricerche de l´Europa” na Itália. Estas esculturas são enriquecidas pelo movimento e expostas ao ar livre (movimento e deslocação no espaço) e complementadas por sons musicais concretos (o movimento desencadeia sons). Em 1970, Youri integra na sua arte óptica o néon, que continua a utilizar ainda hoje nas suas esculturas, instalações e pinturas a óleo. As suas composições “Trip…, Living in…, On Line…” de linhas coloridas e traçados sobre materiais lembrando a transparência, reproduzem estruturas cinéticas de particular subtileza que relacionam por um lado, o abstracto e a ilusão e por outro, a manifestação psicofisiológica do movimento. Youri utiliza frequentemente a técnica da colagem para os seus óleos e guaches. Especialista entre outras técnicas do “body art painting”, expõe o seu trabalho nomeadamente em clubes e em exposições ou em locais sombrios que são iluminados com lâmpadas UV, cobrindo-o em quatro horas com corpos nus de cores psicadélicas e biológicas, sem perigo para a pele.

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Charles Henry Alston

Nome do obra exposta: Abstract Cityscape

Professor, pintor e escultor afro-americano, nascido em Charlotte, Carolina do Norte, Estados Unidos da América, dirigiu o Harlem Art Workshop, em Nova York, durante a Grande Depressão, e foi mentor de Jacob Lawrence, dentre outros. Sua tela "Garota com Vestido Vermelho", de 1934, nos remete ao Fauvismo, tendência estética que busca explorar ao máximo a expressividade das cores na pintura.

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Piet Mondrian

Nome da obra exposta: Composition with Black, White, Yellow and Red

Pieter Cornelis Mondrian, conhecido por Piet Mondrian, nasceu em Amersfoort na Holanda e seguiu a carreira artística apesar de todas as objecções da sua família. Estudou na Academia de Belas Artes de Amsterdão de 1892 a 1895.
Os primeiros trabalhos de Mondrian, na sua grande maioria, eram pinturas de calmas paisagens em tons suaves. Por volta de 1908, sob a influência do pintor holandês Jan Toorop, começou a experimentar cores mais brilhantes no intuito de transcender a natureza, criando uma série de pinturas de árvores e flores nas quais desenvolveu um estilo cada vez mais abstracto. Mudou-se para Paris em 1912, é então que Mondrian toma contacto com pintores cubistas, rendendo-se às suas ideias.
O princípio do século XX ficou marcado pela tentativa de representar a realidade das maneiras mais abstractas. O pintor holandês levou a abstracção até ao máximo dos seus limites, começou a formular as suas próprias teorias estéticas. Ao seu estilo e princípios artísticos chamou de Neoplasticismo.
Nas suas últimas composições, Mondrian evita qualquer sugestão de reprodução do mundo material, usando linhas pretas verticais e horizontais que delimitam blocos de puro branco, vermelho, amarelo ou azul. Mondrian exprimiu uma concepção que revelou ser um expoente elevado de harmonia e de beleza.

Obras do Artista

A administração do blogue pede desculpa aos leitores pela ausência de publicações. O blogue volta agora ao normal visto que o problema que provocou a inesperada ausência já foi resolvido.

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Paula Rego

Nome da obra exposta: Flood

Paula Figueiroa Rego é uma pintora portuguesa de grande projecção internacional. Estudou em Londres, na Slade School. Desde dos anos 60 que a sua obra é reconhecida em Portugal, mas só em 1981 concretizou a sua primeira exposição individual. Em 1990 chegou a consagração, foi o primeiro artista associado da National Gallery, em coincidência com a adopção de uma nova linguagem figurativa, em que está presente um explícito sentido narrativo, empenhado no comentário crítico sobre a vida e o mundo. Paula Rego é, a par de Vieira da Silva, uma das pintoras portuguesas mais aclamada mundialmente. A artista é representada pela Galeria Marlborough A Galeria Marlborough tem cerca de 130 obras de arte múltipla original da Paula Rego à venda pela Internet. Em Portugal pode adquirir serigrafias da Paula Rego na Galeria de Arte Portuguesa. A Paula Rego recebeu o prémio Celpa/Vieira da Silva - Consagração e o Grande Prémio Soquil. Em Junho de 2007 a tela Moth, foi vendida por 378.400 libras, 560.032 euros o valor mais alto de um quadro de Paula Rego.

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Wassily Kandinsky

Nome da obra exposta: Yellow-Red-Blue

Wassily Kandinsky nasceu em Moscovo, no dia 4 de Dezembro de 1866 e é considerado como um dos maiores artistas do séc. XX.

Aos 30 anos, depois de ter estudado direito e economia, deixou Moscovo. Mudou-se para Munique, que na época era considerada uma cidade artística, aberta ao mundo.
Ingressou na escola de pintura de Anton Azbé, que o desiludiu com o tipo de ensino. Muito pouco satisfeito com a sua aprendizagem, inscreveu-se no curso do professor Von Stuck, no qual só conseguiu ingressar um ano depois.
Em Maio de 1901, Kandinsky participou na fundação da sociedade artística Phalanx e foi professor na escola fundada pouco tempo depois pela sociedade.
Na década de 1910, Kandinsky desenvolveu seus primeiros estudos não figurativos, fazendo com que hoje seja considerado o primeiro pintor ocidental a produzir uma tela abstracta. Kandinsky desejava pintar obras que exprimissem alguma coisa. De facto, foi esta necessidade interior de expressar as suas percepções emocionais que o levou ao desenvolvimento de um estilo de pintura abstracto. Em constante contacto com os artistas de vanguarda, passou a leccionar na conhecida escola de Bauhaus até 1933.
Desenvolveu a arte abstracta até ao fim da sua vida, faleceu em 1944. Wassily Kandinsky abriu um novo caminho para a pintura e mesmo para a arte.

Obras do Artista

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Manolo Blahnik

Nome da obra exposta: Sizzle

Manolo Blahnik é um estilista espanhol e dono de uma das mais proeminentes marcas de sapatos femininos.Nascido em 1943 nas Ilhas Canárias, de mãe espanhola e pai checo, estudou literatura e arquitectura na Universidade de Genebra na Suíça, mas abandonou os estudos em 1968 quando se mudou para Paris. Dois anos depois, foi para Londres onde trabalhou como fotógrafo para o jornal local Sunday Times e imediatamente mergulhou no mundo da moda. Durante uma visita a Nova York, conheceu a editora chefe da revista Vogue americana, Diana Vreeland. Ela sugeriu que Manolo se concentrasse na criação de sapatos tão interessantes quanto os que ele vestia no encontro. Na sua trajectória de sucesso, iniciada nos anos 70, Manolo Blahnik desenhou inúmeros modelos para estilistas consagrados como Yves Saint Laurent, Christian Dior, Calvin Klein e John Galliano. Abriu a Zapata, sua boutique na Rua Old Church, em Londres, que logo passou a ter clientes fiéis desde celebridades do cinema e televisão à realeza. Actualmente, os seus sapatos são simplesmente conhecidos como “Manolo”. O segredo do sucesso, segundo Blahnik, é participar de todas as fases da elaboração do produto. Desde os primeiros croquis até a criação das campanhas publicitárias em que geralmente usa seus próprios desenhos. ManoloDesigner de Acessórios do Ano pelo Conselho Britânico de Moda em 1990 e 1999. Além disso, recebeu o título honorário de doutor pelo Royal London College of Art and Royal Society of Arts da Inglaterra. Apesar do sucesso que faz, Manolo possui apenas duas lojas: uma em Londres e outra em Nova York. Os sapatos de Manolo Blahnik são sinonimo de glamour e sensualidade, e vêm se tornando mais famosos que as mulheres que os calçam.

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Victoria Francés

Nome da obra exposta: Favole

Victoria Francés é uma pintora e ilustradora espanhola, licenciada em Belas Artes na faculdade de San Carlos de Valencia. Desempenha o seu papel de ilustradora realizando diversos trabalhos em capas de livros e obras por encargo. Desde criança que acha fascinante a beleza dos bosques galegos, onde passou grande parte da sua infância. Após ter viajado a cidades como Londres e Paris, ficou hipnotizada pelos ambientes que deram vida a obras literárias e legendárias do género gótico. As suas ilustrações e desenhos representam assim um mundo onírico do romantismo gótico. Inspirada pelo género das pinturas pré-rafaelitas, apresenta temáticas que nos levam a um mundo simbologia, mágico e ancestral. Todo o sofrimento dos seres proscritos deste mundo é retratado em forma de castelos obscuros e manções de luzes tremeluzentes, onde se reconhece a influência de Goethe, Edgar Allan Poe, Baudelaire e inclusive Bram Stoker.

Obras da Artista

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Juan Gris

Nome da obra exposta: Retrato de Pablo Picasso

Juan Gris, pseudónimo de Juan José Victoriano González, foi um dos mais famosos e versáteis pintores e escultores cubistas espanhóis. Apesar de ter falecido jovem, Juan Gris representa o expoente máximo do cubismo sintético.Iniciou a sua formação ingressando na Real Academia de Belas-Artes de São Fernando. Após este período tornou-se aluno do pintor José Moreno Carbonero, começando também a ilustrar algumas revistas modernistas de poesia da época. Mudou-se para Paris, centro mundial das artes. Ali conhece artistas como Guillaume Apollinaire, André Salmon, Max Jacob e, o que mais o marcou e influenciou, Pablo Picasso. Através deste último, conhece também Georges Braque. Em 1912, passou, finalmente, a integrar o movimento cubista, tornando-se assim, conhecido em todo o mundo. Celebrou também, a sua primeira exposição individual, realizada na Galeria Sagot. Continuou a expor nas melhores galerias de arte, até 1927, ano em que falece, com 40 anos de idade.

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Ge Yang Chang

Nome da obra exposta: Mistery

Ge Yang Chang é uma conhecida pintora contemporânea chinesa, que explora e domina o ainda pouco conhecido expressionismo abstracto. As suas obras mais conhecidas são Mistery, pintada em 1990, Green Bamboo, pintada em 1994, e Verão, também concebida no ano de 1994.Chang formou-se em pintura a óleo no Instituto de Belas-Artes HuBei, no ano de 1965. Porém, esta nunca pintou somente a óleo, mas também a gouaches, a aquarelas ou até a acrílicos, material pouco utilizado na China.Junto com o seu marido, Chuan Zheng Xiong, também um importante pintor chinês, fundou uma organização de arte pública, cujo objectivo era dar a conhecer a arte aos estratos mais baixos da sociedade chinesa.

Obras da Artista

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Auto-retractos Van Gogh

Aqui vai o meu primeiro vídeo dos muitos que espero que virão

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Federico de Madrazo y Kuntz

Nome da obra exposta: A Condessa de Vilches

Filho do pintor José de Madrazo y Agudo, de quem foi discípulo, e pai do famoso pintor Raimundo de Madrazo y Garreta. Frequentou a Real Academia de Belas-Artes de São Fernando, onde pintou o seu primeiro quadro, A Ressurreição de Cristo, no ano de 1829, o qual foi comprado pela rainha Cristina da Suécia. Pouco tempo depois, pintava Aquiles na sua tenda, e, em seguida, A Parada de Cipião, que lhe assegurou a admissão como académico, "por mérito".Enquanto decorava o palácio da Vista Alegre, começou a pintar retratos. Em 1852 mudou-se para Paris, onde estudou com Winterhalter, e onde pintou notáveis retratos do famoso Barão Taylor e de Ingres.

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Nome da obra exposta: Ronda Nocturna

É geralmente considerado um dos maiores pintores e gravadores da história da arte europeia e um dos mais importantes da história holandesa. Suas contribuições à arte surgiram em um período denominado pelos historiadores de "Era de Ouro da Holanda", na qual a influência política, a ciência, o comércio e a cultura holandesa atingiram o seu ápice.É durante o período de Rembrandt em Leiden (1625-1631) que a influência de Lastman pode ser mais sentida. Suas pinturas eram menores, mas ricas em detalhes (por exemplo, em trajes e jóias). Os temas eram em sua maioria religiosos e alegóricos.Em seus primeiros anos em Amesterdão (1632-1636), Rembrandt passou a pintar cenas bíblicas e mitológicas dramáticas, em alto contraste e formato ampliado. Ele também começou a aceitar encomendas de retratos.No final da década de 1630, Rembrandt produziu várias pinturas e gravuras de paisagens.A partir de 1640 seu trabalho se tornou menos exuberante e mais sóbrio em tom, reflectindo tragédias pessoais. As cenas bíblicas passaram a derivar-se mais do Novo Testamento do que do Velho Testamento. O tamanho das pinturas diminuiu novamente. A excepção foi a grandiosa Ronda Nocturna, seu trabalho mais amplo.Na década de 1650, o estilo de Rembrandt mudou novamente. Suas obras aumentaram em largura. As cores se tornaram mais ricas, e o pincel mais destacado. Com essas mudanças, Rembrandt distanciou-se de seus primeiros trabalhos e da moda da época, com inclinação cada vez maior para trabalhos mais finos e detalhados. Com o passar dos anos, os temas bíblicos continuaram a surgir, mas com ênfase agora em figuras retratadas com mais intimidade, ao invés de cenas agrupais.Em seus últimos anos, Rembrandt pintou seus auto-retratos mais profundamente reflexivos.

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Lasar Segall

Nome da obra exposta: Perfil de Zulmira

Artista completo, experimentou todas as formas de expressão de sua época. Pintor, desenhista, gravador e escultor, foi um mestre do Expressionismo e um dos introdutores do Modernismo no Brasil, vindo a ser um símbolo para toda uma geração. Nascido em Vilna, capital da Lituânia, na época sob o domínio do Império russo, foi discípulo de Antokolski, um dos mais importantes escultores russos do século XIX.Com 15 anos, instala-se em Berlim e frequenta a rigorosa Academia Imperial de Belas Artes de Berlim, de onde seria afastado em 1909 por expor na Freie Sezession ( Secessão Livre ), onde ganhou o prémio Max Lieberman em um período no qual sua obra esteve fortemente influenciada pelo impressionismo.A partir daí transfere-se para Dresden, onde passa a frequentar a Academia de Belas Artes como aluno-mestre, desfrutando de total liberdade de criação. É também aí que acontece sua primeira exposição individual.Com a aproximação da Guerra, o seu trabalho retorna aos temas trágicos. Lasar Segall dizia que a obra devia ser despida de requintes estilísticos se quisesse expressar o sofrimento humano de maneira profunda, e é isso que podemos ver nas séries como Navio de Emigrantes e Pogrom.

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Maria Helena Vieira da Silva

Nome da obra exposta: A Biblioteca

Foi uma pintora portuguesa. Naturalizada francesa. Filha do embaixador Marcos Vieira da Silva, Maria Helena demostra interesse pelas artes desde pequena. Em 1928 estabelece-se em Paris, onde conhece seu futuro marido, o também pintor húngaro Árpád Szenes, com quem realizou inúmeras viagens à América Latina para participar de exposições, como em 1946 no Instituto de Arquitetos do Brasil. Devido ao facto de seu marido ser judeu e de ela ter perdido a nacionalidade portuguesa, eram oficialmente apátridas. Então, o casal decide residir por um longo tempo no Brasil durante a Segunda Guerra Mundial e no período pós-guerra. No Brasil, entram em contato com importantes artistas locais, como Carlos Scliar e Djanira. Vieira da Silva foi autora de uma série de ilustrações para crianças que constituem uma surpresa no conjunto da sua obra. Kô et Kô, les deux esquimaux, é o título de uma história para crianças inventada por ela em 1933. Não se sentindo capaz de a escrever, a pintora entrega essa tarefa ao seu amigo Pierre Guéguen e assume o papel de ilustradora, executando uma série de guaches. Participa na Europália, em 1992, e vem a morrer nesse ano.

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Duccio di Buoninsegna

Nome da obra exposta: Maestà

Foi provavelmente o mais influente artista de Siena do seu tempo. Considera-se que Duccio teve grande influência na formação do estilo chamado Gótico Internacional e que influenciou Simone Martini e os irmãos Ambrogio e Pietro Lorenzetti, entre outros. Seu grande rival na época foi Giotto, mestre da Escola Florentina do qual eu falei na postagem anterior.Seus trabalhos incluem a Rucellai Madonna, para a Igreja de Santa Maria Novella (actualmente na Galeria Uffizi) e a lendária Maestà para a catedral de Siena. A Maestà foi carregada pela ruas de Siena em uma cerimonia religiosa e representou um grande passo adiante na representação pictórica de narrativas.

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Mundo da arte

Para vocês que estão a tentar vencer no mundo das artes, se quiserem e estiverem interessados, terei todo o prazer de publicar obras vossas seja um pintor, um arquitecto, escultor ou mesmo escritor mandão as obras para o meu mail e terei todo o prazer de as exibir no meu blogue para mostrar o vosso talento.

Para começar este espírito começarei por publicar a minha primeira obra

este quadro pintado por mim é uma parte de um quadro pintado por David Hockney

Mais tarde publicarei sobre este pintor

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Cenni di Petro Cimabue

Nome da obra exposta: Santa Trinita Madonna

Foi um pintor florentino e criador de mosaicos. Ele também é popular por ter descoberto Giotto e ser considerado o último grande pintor italiano a seguir a tradição bizantina.Cimabue introduziu a ideia de tratar imagens e obras como indivíduos. Seu grande rival era Duccio, em Siena. Muitas de suas obras estão no interior da Basílica de São Francisco de Assis e na Galleria degli Uffizi, na Itália e no Louvre, em Paris.Cimabue parece ter sido uma artista muito reconhecido em seu tempo. Enquanto trabalhava em Florença, Duccio foi seu principal rival em Siena. Cimabue pintou dois grandes frescos na Basílica de São Francisco de Assis, na parede do transepto: a Crucificação e a Descida da Cruz.

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Giotto di Bondone

Nome da obra exposta: A Lamentação

Esta é vista como a sua maior obra a Capella degli Scrovegni, também chamada Arena Chapel, em Pádua, é considerada o maior trabalho de Giotto. Ele retrata cenas da Virgem Maria e da Paixão de Cristo e foi criada entre 1303 e 1310. Aqui, ele quebra as tradições da narração de cenas medievais. A cena da morte de Cristo foi admirada por muitos artistas renascentistas pela força dramática da cena em seu trabalho. Michelangelo, que estudou a obra de Giotto, inspirou-se nesse trabalho para a pintura da Capela Sistina. Como era comum na decoração do período medieval, a porção oeste da parede é dominada pelo Julgamento Final. São muitos os painéis famosos da Capela, incluindo um com a Adoração dos Magos, em que aparece uma Estrela de Belém semelhante a um cometa. Giotto viu o Cometa Halley em sua aparição em 1301 no céu italiano e é bem provável que esse objecto astronómico tenha influenciado a estrela da Adoração.

Foi um pintor e arquiteto italiano, nascido em Colle Vespignano, perto de Florença, discípulo de Cimabue, introdutor da perspectiva na pintura, durante o Renascimento.

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OI pessoal

É a primeira vez que eu tenho um blogue por isso espero que me ajudem e me orientem.
Tentarei todos os dias actualizar o meu blogue e como já devem ter percebido é um blogue destinado a artistas aqueles que são e aos que querem ser ou saber mais sobre arte.

Obrigado a todos os que virem o blogue e espero que gostem